画家である方巍さんは、自然環境に溶け合うようなかたちで人間を描いてきました。植物と人の濃密な生気に満ちた画面の中に、情熱や愛情や、時に悲しみや孤独といったいろいろな感情が表されていて、いつもその迫力に圧倒されながら、いっぽうで強い包容力も感じてきました。「人間の本質に興味がある」という方巍さんのアプローチは、技法や流行とは切り離されたところで、こんこんと湧き出る泉のように、独り豊かに継続されています。
実は画家としての活動を開始する前に、日本に15年間滞在し古美術商をしていた経験があり、中国と日本の古くから受け継がれる芸術に通じてもいます。近年は故郷である上海で暮らしていましたが、2023年にパートナーであるUMAと彼らの二人の子供とともに奈良へ移住しました。
方巍さんは絵を描く時「なんとなく描きたくなったものを描いているのであって、最初からこれこれこういう絵を描きたいと考えて描いているわけではない」と言います。時間が経って、後から「ああ、この絵はこういう絵だったんだな」と思うのだそうです（実は画家の方からよく同様の話を聞きます）。今回の展覧会に出品する作品は、2階の高いところに展示したスケッチを先に描いて、それから大きな油彩を描いています。スケッチを前に、「どうもコロナの頃の混沌とした状況が下の方にあるみたいだ」と話してくれました。上のほうに描かれている人物は、ドラクロワの「民衆を導く自由の女神」のように、困難を切り拓こうと戦っているようにも見えます。また視点を変えれば楽しく踊っているようでもあり、そのポジティブな印象は、自由を求める人の希望にあふれた様子にも見えます。油彩のほうは、奈良へ移住したことが影響してか、「上の人物が仏像のようになってきた」と言っていました。
方巍さんのスケッチは1階のカフェの床の間にも展示してあります。

Fang Wei, a painter, has long depicted humans as if they were seamlessly blending into the natural environment. His works, filled with the dense vitality of plants and humans, convey a wide range of emotions—passion, love, and at times, sorrow or loneliness. The intensity of his paintings is overwhelming, yet they also exude a profound sense of embrace and inclusion. Fang Wei states that he is interested in “the essence of humanity,” and his approach, unbound by techniques or trends, continues to flourish independently, like an ever-bubbling spring of creativity.
Before starting his career as a painter, Fang Wei spent 15 years in Japan as an antique art dealer, gaining deep insight into the traditional arts of both China and Japan. In recent years, he lived in his hometown of Shanghai, but in 2023, he relocated to Nara with his partner UMA and their two children.
Fang Wei explains that when he paints, “I’m simply drawing what I feel like drawing, not starting out with a clear plan of what I want the painting to be.” He often realizes later, upon reflection, “Oh, so this is what the painting was about.” (Interestingly, I’ve heard similar thoughts from other painters as well.) For this exhibition, Fang first created a sketch, displayed in a high location on the second floor, which he used as a foundation for a large oil painting. While discussing the sketch, he noted, “It seems like the chaos of the COVID era is present at the lower part.” Observing the sketch, I felt that the figure at the top resembled Delacroix’s Liberty Leading the People, appearing as though it is fighting to overcome challenges. Alternatively, the figure might also seem to be joyfully dancing, radiating positivity and hope for freedom. Regarding the oil painting, Fang remarked that it might have been influenced by his move to Nara, as “the figure at the top is starting to resemble a Buddha statue.”
One of Fang Wei’s sketches is also on display in the tokonoma, or decorative alcove, of the café on the first floor.

会場入口の土間に掲げられている写真は、UMAが雲南省の山奥で行ったパフォーマンスの記録です。彼女は、ある環境保護団体の招きでその地を訪れ、豊かな自然の情景に心を打たれたことをきっかけに作品制作を決意しました。後日、撮影チームと共に再び現地を訪れ、いくつかの短いパフォーマンスとシューティングを行ったということです。
中国大陸出身のアーティストは、その言論規制の強い環境からか、アレゴリーの表現に長けていると感じることが多いです。この作品も、見る人によっていろんな解釈ができると思いますが、私は、岩に比べればずっとやわらかく壊れやすく、短命な身体が、その弱さゆえにか、発光するような強いエネルギーを放っている様子に衝撃を受けました。負けそうだけど、負けてない。私は確かにここに「在る」のだという、静かで絶対的な表明のように感じます。
地下の防空壕（手前側）には、2014年に上海で行われたパフォーマンスの映像が流れています。彼女は体を幾重にも、さまざまなもの——宣紙（伝統的な手漉き紙）、蜘蛛の糸、穀物、長く編まれた髪、定規、刀剣、男性の身体、泥で塗られた身体——で包んでおり、それを次々と脱ぎ捨てていきます。最後に明らかになるのですが、体に下げられた香炉からずっと多量の煙が出続けています。きっとものすごく煙たかったでしょう。この作品も見る人によってさまざまな解釈ができると思いますが、やはり、何らかの束縛から開放されたいという確固とした気持ちが、揮発するような強い感情とともに迫ってくるのを感じずにはいられません。
UMAは伝統的な舞踊を学び、プロの舞踊団に所属して世界中を公演で回ったあと、今度は振付を学びました。自らの表現のために踊るようになったUMAは、最終的にパフォーマンス作品を作るようになり、近年は絵画や立体も手掛けています。

The photograph displayed in the earthen-floored entrance records a performance by UMA in the remote mountains of Yunnan Province. Invited by an environmental conservation group to visit the area, she was deeply moved by the richness of the natural landscape, which inspired her to create this work. She later returned with a filming team and conducted a series of short performances and shoots at the site.
Artists from mainland China often excel in allegorical expression, perhaps influenced by the restrictive environment surrounding free speech. This work, too, is open to various interpretations, but I was struck by the image of a soft, fragile, and ephemeral body radiating a powerful, luminous energy—perhaps because of its very vulnerability. It feels like a quiet yet absolute declaration: “I am here.” Though seemingly on the verge of being overwhelmed, it never gives in.
In the basement room toward the front, a video of a performance conducted in Shanghai in 2014 is being shown. In this work, UMA layers her body with various materials—xuan paper (traditional handmade paper), spider silk, grains, long braided hair, rulers, blades, a man’s body, and mud-covered skin—only to remove them one by one. In the final reveal, multiple censers hanging from her body continuously release dense smoke. It must have been incredibly suffocating. This piece, too, invites multiple interpretations, but I can’t help but feel the urgent and volatile emotions associated with a firm desire to be released from some form of bondage.
UMA studied traditional dance and toured the world as a member of a professional dance company before learning choreography. Once she began dancing for her own artistic expression, she eventually started creating performance art. In recent years, she has expanded her practice to include painting and sculpture as well.

谷川さんの漆の作品を初めて見た時に、水彩絵具をたっぷり含んだ筆の軌跡がそのまま立体になったかのようなみずみずしさに惹きつけられました。湧き出る泉、流れ落ちる滝、そんな自然の水の流れが見せる瞬間の姿も重なります。谷川さんは、漆芸の伝統に敬意を払いつつも、器のコーティングや赤・黒といったカラーから離れ、現代の感覚や自身の個性を反映させる新しいアプローチを模索しています。その斬新な造形と、イエローやブルーといったフレッシュな色合いに「これが漆か……」と驚くばかりです。
液体である「漆」という素材の、そのままの姿を捉えることができないかと考えた、という谷川さん。樹液である漆が硬化し、形を成していく過程で、素材の特性や谷川さん自身の手の痕跡が重なり、独自の作品が生まれます。特に漆の線や形が自然に流れたように見える部分には、その瞬間に感じていたこと、考えていたことが表れているように思う、と谷川さんは言います。
「私にとって作品を作るという行為は、不確かな世界で、自分自身の実在を確かめるためのプロセスでもあります」と語る谷川さんの実践は、流動的な世界の中で、また私たち自身もその循環の一部である世界の中で、いまここに自分は“在る”のだという実感を、不定形な漆を通してかたちにすることなのだと思います。（上海ロックダウンを経験すると、「不確かな世界」は曖昧な概念ではなくて、本当のことだなと思います。）
今回の展示では、「風景と自分」との関係性を意識したそうです。作品は2階の座敷にまとまっていますが、廊下の狭いスペースにも作品があるので見逃さないでください。

When I first saw Tanigawa Mine’s lacquer works, I was captivated by their vivid freshness, as if the traces of a watercolor-laden brush had been transformed into three-dimensional forms. The pieces evoke images of natural water flows—bubbling springs and cascading waterfalls—capturing fleeting moments of their dynamic beauty. While respecting the traditions of lacquer art, Tanigawa distances herself from conventional uses like vessel coatings or the standard red and black palette, instead exploring new approaches that reflect contemporary sensibilities and her own individuality. Her innovative forms and fresh hues, such as yellows and blues, leave one marveling, “Is this really lacquer?”
Tanigawa explains that her inspiration stems from a desire to explore whether it is possible to shape lacquer in a way that reflects its natural, liquid form. As the tree sap hardens and takes shape, her unique works emerge from the interplay of the material’s natural properties and the traces of her hands. She notes that, in particular, the lines and shapes that appear to flow naturally seem to reflect her thoughts and feelings at the moment of creation.
“For me, creating art is a process of affirming my existence in an uncertain world,” Tanigawa says. Her practice embodies the idea of grounding oneself in the here and now, within a fluid, interconnected world. Through the unshaped, evolving medium of lacquer, she transforms the sense of “I am here” into tangible forms. My own experience during the Shanghai lockdown further solidified the idea that this “uncertain world” is not merely a vague concept but a stark reality.
In this exhibition, Tanigawa has focused on exploring the relationship between landscape and self. Her works are primarily gathered in the upstairs tatami room, but don’t miss the single piece displayed in the narrow hallway space.

宙宙さんの玄関入ってすぐの作品は、今回初めて発表される、たくさんの磁石を使ったインスタレーションです。「“想い”や感情が、重力や磁力のように空間に作用し、時には堆積し、飽和状態に達することで、地震や火山のようにエネルギーを放出すると感じて」制作されたというこの作品は、私の上海ロックダウンの体験談を聞いてのリアクションでもあるそうです。これは本当に興味深く感じました。というのは、私は近年、人間は微生物や土や砂と同じだというテキストを立て続けに書いてきており、それは（ドライでハードではありますが）ひとつの真理ではあると思います。ただその中で、いったい感情とは何なのだろう、と考えてきた面もありました。その問いに答えがあるわけもなく、また宙宙さんの作品にも答えは用意されていないのですが、ただロックダウン時に感じたあの感情も、長い目で見れば自然現象のひとつなのかなと、少し癒された気持ちがしました。
宙宙さんは、作品に使うひとつひとつのオブジェクトについて、本当にたくさんのリサーチをする作家で、どこからそれがやってきたのかについて、生き物や植物はもちろん、プレートテクトニクスや水脈や人間の営みまで、さまざまなファクターが作用しあうヴィジョンを抱きつつ展示を組んでいきます。
地下の防空壕（奥側）では、神奈川県の海岸で採集された漂流物と、灰を使ったインスタレーションが展示されています。富士山・丹沢山系から相模川へ、そして蛇口へ、海へと流れ込む壮大なスケールの水流と、虫や鳥や貝やプラスチックが大小のかけらとなって入り混じる様子、そして大海原に噴出する火山群のような光景が表現されています。

The artwork by Chu Chu displayed right at the entrance is a new installation using numerous magnets, presented for the first time in this exhibition. She explains that the piece was created based on the idea that “thoughts and emotions can influence a space, like gravity or magnetism, sometimes accumulating to the point of saturation and releasing energy like an earthquake or volcano.” This work is also her response to my account of the Shanghai lockdown, which I found truly fascinating. Recently, I’ve written texts asserting that humans are no different from microorganisms, soil, or sand—a somewhat dry and stark perspective, but one I believe holds some truth. However, I’ve also been pondering the nature of emotions within this framework. There are, of course, no clear answers to this question, nor does Chu Chu’s work provide one. Yet, her piece led me to consider that the emotions I felt during the lockdown might, in the grand scheme of things, simply be another natural phenomenon, which gave me a sense of relief.
Chu Chu is an artist who conducts extensive research on every object she incorporates into her work. Her vision encompasses not only living organisms and plants but also tectonic plate movements, water systems, and human activities. These diverse factors interact to shape the installations she creates.
In the basement room toward the back, Chu Chu presents an installation made from drifted debris collected along the Kanagawa coastline and ash. The work portrays a grand narrative of water flowing from Mount Fuji and the Tanzawa mountain range into the Sagami River, through the faucet, and finally into the sea. It also highlights the mingling of insects, birds, shells, and fragments of plastic in various sizes, as well as scenes resembling volcanic eruptions in the vast ocean.

山口さんの陶の立体は、手で持てるくらいの大きさなのですが、よく見ると人や木や、家や柵の一部のように見えるものが点々とあって、一気に広大な環境の中に引き込まれるような気分になる不思議な作品です。小さくて細い棒のようなパーツも、すべて作品の一部として造形され焼成されています（後からボンドでくっつけたわけではありません）。
「例えば、通勤途中に見つけた一輪の花が咲いて、枯れて、また咲く様子や、空に飛んでいく鳥の姿を写真に収めるのが習慣になっていて。こういう記録が、自分の中で蓄積されて、それを土という素材を通じて形にしていくスタイルです」と話す山口さん。土は、「触ったら触った分全て変化してくれる、とても反応の良い素材」（山口さんの言葉）だそうで、ドローイングを描くようにその時の心の情景を成形していくそうです。
孤独な感じや、廃墟を見ている感じはどこから来るのかと質問したところ、音楽を聴いたりしながら「ここではないどこか」を思い浮かべていると話してくれました（今回展示するシリーズを作っている時には青葉市子や讃美歌を聴いていたらしい）。また興味深かったのが、例えば「風の谷のナウシカ」や、例えばライブを収録したレコードのように、過去と現在と未来が繋がる感覚、もう一度それが起こるという感覚についても話してくれました。「時空を超える感覚」や、近くで見るものが遠く感じたり、逆に遠いものが近く感じるような視覚的な現象も、山口さんの大事なテーマのひとつだと思います。
2階の座敷に「ランドスケープ 」シリーズがまとまって展示してあります。1階では、カフェの床の間に「ランドスケープ」シリーズを1点、縁側に山形の島のような作品と、モルックというゲームで倒れた木の棒を延々と立てる人々を象った作品を展示しています。

Yamaguchi’s ceramic sculptures are small enough to hold in your hand, but upon closer inspection, you can spot tiny elements resembling people, trees, parts of houses, or fences scattered across the surface. These details create a sense of being drawn into an expansive environment, making his works feel mysteriously vast. Even the smallest, thinnest stick-like parts are shaped and fired as part of the work—they aren’t glued together afterward.
“For example, I often photograph a single flower on my commute as it blooms, withers, and blooms again, as well as birds flying through the sky. These records accumulate within me, and I shape them into forms using clay,” Yamaguchi explains. He describes clay as “a highly responsive material that changes with every touch,” allowing him to form impressions of his inner landscapes in a manner similar to drawing.
When asked about the sense of solitude or ruin that often characterizes his works, he shared that he imagines “somewhere that is not here” while listening to music. (He mentioned that during the creation of the series featured in this exhibition, he was listening to Aoba Ichiko and hymns.) He also spoke about his fascination with the feeling of connection between the past, present, and future—for example, in works like Nausicaä of the Valley of the Wind or live-recorded albums. He finds the sensation of “it happening again,” where past, present, and future align, deeply compelling. This sense of “crossing through time and space,” as well as the visual phenomenon where something nearby feels distant or something far away feels close, are central themes in his art.
Yamaguchi’s Landscape series is displayed together in the upstairs tatami room. On the first floor, one piece from the Landscape series is featured in the tokonoma, or decorative alcove, of the café. The engawa features two additional works: one shaped like a mountain and another series of three pieces depicting people endlessly standing up wooden sticks, inspired by the game of Molkky.